Unter den Tausenden deutschsprachigen Juden, die aus dem von den Nazis besetzten Europa in das vergleichsweise paradiesische Los Angeles flohen, schien es besonders unwahrscheinlich, dass Arnold Schönberg seine Heimat finden würde. Schließlich war er der unerbittlichste modernistische Komponist seiner Zeit – der Urvater der Atonalität, der Kodifizierer der Zwölftonmusik, ein Wiener Hitzkopf, der die Polemik wie einen Sport liebte. Er schrieb einmal: „Wenn es Kunst ist, ist es nicht für alle, und wenn es für alle ist, ist es keine Kunst.“ » Die vorherrschende Haltung in der Hollywood-Filmindustrie, dem dominierenden Kulturunternehmen in Schönbergs Wahlheimat, war das Gegenteil: Wenn es nicht für jedermann ist, ist es wertlos.
Und doch war er da, der Komponist von „Transfigured Night“ und „Pierrot Lunaire“, und lebte in Brentwood, gegenüber von Shirley Temple. Er liebte Jackie Robinson, die Marx Brothers und die Radio-Quizsendung „Information Please“. Er spielte Tennis mit George Gershwin, der ihn vergötterte. Er freute sich über die amerikanischen Gewohnheiten seiner Kinder, die zum großen Entsetzen der anderen Auswanderer im Haus herumliefen. (Thomas Mann schrieb nach einem Besuch in sein Tagebuch: „Freche Kinder. Ausgezeichneter Wiener Kaffee.“) Er unterrichtete an der USC, der UCLA und zu Hause und zählte John Cage, Lou Harrison und Oscar Rising zu seinen Schülern. Obwohl er einer gewissen öffentlichen Gleichgültigkeit und Feindseligkeit ausgesetzt war, erlebte er in Österreich und Deutschland Schlimmeres. Er machte bescheidene Zugeständnisse an den Volksgeschmack und schrieb eine üppig harmonische Adaption von Kol Nidre für Rabbi Jacob Sonderling vom Fairfax Temple. Er starb 1951 in Los Angeles, ein exzentrischer, aber stolzer Amerikaner.
Die Familie Schönberg ist heute in Los Angeles stark vertreten. Zwei Kinder des Komponisten, Ronald, ein pensionierter Richter, und Lawrence, ein pensionierter Mathematiklehrer, leben noch immer in der Gegend. Ronald bewohnt das Haus seines Vaters und teilt es mit seiner Frau Barbara Zeisl Schönberg, Tochter des emigrierten Komponisten Eric Zeisl. Randy, der Sohn von Ronald und Barbara, ist ein Anwalt, der sich auf die Wiederbeschaffung von NS-Raubkunst spezialisiert hat. 2004 gewann er einen historischen Fall vor dem Obersten Gerichtshof, der zur Rückgabe von fünf Gemälden von Gustav Klimt führte. (Die Episode wurde in dem Film „Woman in Gold“ dramatisiert, in dem Randy etwas gegen den Strich von Ryan Reynolds gespielt wurde.) Mitglieder des Clans besuchen regelmäßig Aufführungen von Schönbergs Musik in Los Angeles und fällen in der Tradition der Paterfamilias scharfe Urteile . .
Letzten Sommer wurde ich zu einem Privatkonzert im historischen Brentwood House eingeladen. Drei Generationen der Schönbergs waren anwesend: Ich saß neben Randys Sohn Joey, der mit seinem Vater an einem genealogischen Dokumentarfilm namens „Fioretta“ arbeitete, der die Geschichte der Familie bis ins Venedig des 16. Jahrhunderts zurückverfolgt. Auf einem Sessel hing ein Foto von Schönberg, der im selben Raum einen Unterricht hielt. Mitglieder von baskisch Quartet, eine junge Gruppe aus Los Angeles, war vor Ort, um das erste und dritte Quartett des Komponisten zu spielen, die sie vor einem Aufenthalt am Schönberg Center in Wien studiert hatten. (Das Zentrum beherbergt Schönbergs Hauptarchiv, von dem jede Seite digitalisiert und online verfügbar gemacht wurde.) Das Erste Quartett geht Schönbergs Bruch mit der Tonalität voraus; der dritte stammt aus seiner Zwölftonperiode. In diesem Zusammenhang schien jedoch all die alte Gemeinheit über Dissonanz und Zwölfphonie irrelevant. DER baskisch Das Quartett entdeckte, vielleicht angeregt durch die Blicke so vieler Doppelgänger, die tiefe Linie von Schönbergs Persönlichkeit, die abwechselnd leidenschaftlich, phantasievoll, wild und melancholisch ist. Es ist sicherlich eine schwierige Musik, aber sie ist völlig menschlich und voller Leben.
Im September jährt sich Schönbergs 150. Geburtstag. Eine eigene Website, Schoenberg150, dokumentiert eine Welle von Auftritten in Europa. Die Aktivität in Amerika ist viel geringer. Die einzigen prominenten Orchester, die in der Saison 2023–2024 Originalmusik von Schönberg aufführen werden, sind das San Francisco Symphony, das Cincinnati Symphony und das Minnesota Orchestra. Das LA Philharmonic, Schönbergs Heimatensemble, hat in den letzten zehn Spielzeiten nur vier seiner Werke aufgeführt; ebenso viele haben die Berliner Philharmoniker in den vergangenen zwei Monaten präsentiert. In der nächsten Saison wird das LA Phil eine teilweise Wiedergutmachung leisten und Schönbergs gigantisches Oratorium „Gurrelieder“ aufführen.
Es liegt an Jacaranda Music, einer überschwänglichen und einfallsreichen zwanzigjährigen Kammermusikreihe mit Sitz in Santa Monica, Schönberg in seinem letzten Heimatland die Ehre zu erweisen, die ihm gebührt. Unter der Leitung von Patrick Scott präsentierte Jacaranda Partituren von mehr als zweihundert Komponisten, die vor allem nach 1900 aktiv waren. Und eines Abends im Jahr 2013 überredete Jacaranda die Betreuer des Santa Monica Pier Carousel, die Fahrgäste mit einer zwanzigsten Playlist des Jahrhunderts zu unterhalten , von Mahlers Vierter Symphonie bis zu Gubaidulinas Johannes-Passion. Leider musste die Organisation aufgrund der Pandemie feststellen, dass sie nicht weitermachen konnte. Seine Abschiedssaison „Planet Schoenberg“ fand von September bis Februar in der First Presbyterian Church of Santa Monica statt. Der Titel spielte auf einen Satz des deutschen symbolistischen Dichters Stefan George an, den Schönberg in seinem Zweiten Quartett vertonte: „Ich rieche die Luft eines anderen Planeten.“
Werke aus verschiedenen Phasen von Schönbergs Karriere bildeten den Kern der Serie: das Streichsextett „Verklärte Nacht“, ein Fest überreifer Romantik; die Erste Kammersymphonie, eine unermüdliche Erkundung der äußeren Grenzen der Tonalität; der Liederzyklus „Das Buch der hängenden Gärten“, der schwindelerregend am Rande der Atonalität schwebt; die fünf Stücke für Klavier, op. 23, eine Einführungsübung in Zwölftonschrift; und die halbtonale „Ode an Napoleon Bonaparte“, die Byrons verbalen Angriff auf Napoleon nutzt, um an den Krieg gegen Hitler zu erinnern. Zusammengenommen zeigten diese Partituren die spektakuläre Vielfalt von Schönbergs Sprache. Zu keinem Zeitpunkt rief er dazu auf, den Ton zu beenden; Er hörte auch nicht auf, tonale Musik zu schreiben. Tonalität, sagt er, „ist für ein Musikstück keine Notwendigkeit, sondern eher eine Möglichkeit.“
Diese radikale Erweiterung des harmonischen Feldes hatte erheblichen Einfluss auf alle nachfolgenden Komponisten, unabhängig davon, ob sie Schönberg explizit folgten oder nicht. Hollywood-Komponisten widmeten Schönbergs Musik besondere Aufmerksamkeit und einige studierten direkt bei ihm. Der große Mann war nicht unzufrieden mit diesen Kniebeugen, auch wenn er mit der Vorstellung unzufrieden zu sein schien, dass sein nicht-tonales Vokabular in erster Linie als ausdrucksstarke Krücke für Szenen voller Spannung und Schrecken nützlich war. Vor Jahren erzählte mir David Raksin, der die Musik für „Laura“ und andere Filmklassiker schrieb, dass er Schönberg einmal gefragt habe, wie er Musik für eine Sequenz von „Flugzeug“ komponieren solle. Schönberg antwortete schelmisch: „Gefällt mir große Bienennur Stärker.“
Bei Jacarandas letztem Konzert veranschaulichte der Pianist und Dirigent Scott Dunn die Beziehung zwischen Schönberg und Hollywood, indem er drei Stücke von Leonard Rosenman aufführte, der 1947 Privatunterricht bei Schönberg nahm. Rosenman schrieb zu dieser Zeit nicht für Filme; Dieser Übergang erfolgte, als einer seiner Klavierschüler, James Dean, für „Jenseits von Eden“ besetzt wurde und seinen Lehrer mitnahm. (Dean, ein Fan moderner Musik, erzählte gerne eine Anekdote über Schönbergs Violinkonzert: Nachdem sich Jascha Heifetz darüber beschwert hatte, dass er einen sechsten Finger brauchte, um das Stück zu meistern, sagte Schönberg angeblich: „Ich kann warten.“) Rosenman begann, zwölf zu beschäftigen -Ton-Methoden in seinen Filmmusiken. Während der Planetariumsszene von „Rebel Without a Cause“ löst sich das Orchester in einen großartigen Schönbergschen Nahkampf auf. Es ist schwer vorstellbar, wie Hollywood ohne die Sprache der Dissonanz hätte funktionieren können. Das Horror-Genre gäbe es gar nicht.
Die vielleicht beste Aufnahme, die jemals von „Transfigured Night“ gemacht wurde, stammt von einer Studiobandgruppe: dem goldfarbenen Hollywood Quartet, ergänzt durch zwei Kollegen, im Jahr 1950. Zufälligerweise ist die langjährige Band der ansässigen Streichergruppe Jacaranda, das Lyris Quartet, besteht ebenfalls aus erfahrenen Studiomusikern und setzte mit ihrer „Verklärten Nacht“ im Januar die lokale Tradition der Liebe Schönbergs fort. (Die Darsteller des Ensembles waren Alyssa Park, Luanne Homzy, Luke Maurer, Erik Rynearson, Timothy Loo und Charlie Tyler.) Sie brachten nicht nur die üppigen klimtischen Farbtöne des Werks zur Geltung, sondern auch die fast kubistische Schärfe seiner kontrapunktischen Linien. Ähnliche Tugenden wurden in einer überschwänglichen Version der Ersten Kammersymphonie unter der Leitung von Mark Alan Hilt deutlich, wobei die Lyris den Kern des Ensembles bildeten.
Jacaranda hob einen weiteren Aspekt von Schönbergs großer Reichweite hervor: die Sympathie, die er unter Jazzmusikern hervorrief. Jazz-Pioniere hatten kaum Bedarf, sich von der europäischen Moderne inspirieren zu lassen, aber Schönbergs spritzige Akkorde erregten dennoch Gehör. Der Jazzgitarrist und Komponist Dennis Sandole war ein aufmerksamer Leser von Schönbergs Handbuch „Harmonielehre“; Sandole wiederum war Mentor von John Coltrane. Diese Verbindung rechtfertigt die überraschendste Repertoireauswahl in Jacarandas Reihe: ein neunteiliges Arrangement von Coltranes „A Love Supreme“ mit dem Komponisten-Schlagzeuger Kahil El’Zabar, dem Saxophonisten David Murray und dem Ethnic Heritage Ensemble. Es war eine Freude, es zu hören, trotz einiger Probleme mit der klanglichen Balance. In San Francisco gibt es zwar eine Saint-John-Coltrane-Kirche, aber seine Musik profitiert nicht von der Kirchenakustik.
Im selben Programm spielte Steven Vanhauwaert, einer von mehreren brillanten lokalen Pianisten, die „Planet Schoenberg“ Glanz verliehen (andere waren Gloria Cheng und Inna Faliks), die Fünf Stücke op. 23. Ich weiß nicht, ob Vanhauwaert bewusst nach Phantom-Jazz-Momenten in der Musik suchte, aber sein frei schwebender, halbimprovisatorischer Ansatz passte in die Agenda aller Genres. In den letzten Takten des dritten Titels schwingen Viertonakkorde mit der elementaren Quinte von C und G mit, die jeweils eine rauchige, freche Atmosphäre ausstrahlen. Wenn es kein Jazz ist, kommt er nicht von einem ganz anderen Planeten. Und wenn es nicht für jeden ist, dann für jeden, der es will. ♦