Es war eine lange und wilde Reise seit 1969, als die Eröffnungsakkorde von Pete Townshends „Tommy“, geschrieben mit The Who und aufgenommen von ihnen, erstmals auf der Bühne veröffentlicht wurden. Die Band tourte mehrere Jahre lang mit diesem genreübergreifenden Album – einer Rockoper für Suchende, in der ein „taubstummes und blindes Kind“ eine messianische Gabe für Flipper entdeckt. Im Laufe des nächsten Jahrzehnts beschäftigten sich andere Künstler mit dem Who-Material: Es gab ein Ballett, eine Symphonie und 1975 Ken Russells butterweichen psychedelischen Film. Dann, etwa fünfzehn Jahre später, war Regisseur Des McAnuff überzeugt, obwohl The Who „Tommy“ mehr oder weniger auf Eis gelegt hatte Townshend, dass sie gemeinsam ein Musical daraus machen könnten. Das Ergebnis brach 1993 am Broadway aus. Viele Leute gewannen Tony Awards; Sicherlich hat jeder Geld verdient. Und hier sind wir, dreißig Jahre später, wieder hier.
Oder besser gesagt, wir versuchen es zu sein Dort Wieder. Was „da drüben“ – die Siebziger? die 90er? – Dies kann von Ihrem Alter abhängen. Es wird auch davon abhängen, ob Ihre „Tommy“-Vorlieben sich eher für die Konzertrauheit der Band (die Leadsänger Roger Daltrey einst liebevoll „eine Hinternnote und ein Schweißtropfen“ nannte) oder für das glänzende Broadway-Spektakel interessieren. -und sagen Sie auch die Vorgehensweise. Ost Ist es eine gute Idee, den Text eines Liedes über eine mystische, unter Drogen stehende Prostituierte nachzuahmen? Die Antworten werden unterschiedlich sein. Wie auch immer, für den Niederländer wird die Nostalgie nun mit roher Gewalt vermittelt. Vor dieser Veröffentlichung hatte ich „The Who’s Tommy“ noch nie in einem Theater gesehen, aber als ich die ersten Gitarrenakkorde zusammen mit den Becken pfeifen hörte, verspürte ich einen Schauer einer falschen Erinnerung. Sounddesigner Gareth Owen fügte zu den Eröffnungsmomenten der Aufführung eine Aufnahme einer jubelnden Menge hinzu, und ich erinnerte mich an Stadien, in denen ich noch nie gewesen war. Aber ja, dann beginnt die Show.
Es beginnt mit einer langen, atemlosen Einleitung, die manchmal in leicht verrückter Pantomime vorgetragen wird, während das Rockinstrument spielt: Während des Zweiten Weltkriegs treffen sich eine Schweißerin (Alison Luff) und ein Offizier der Royal Air Force, Captain Walker (Adam Jacobs). , heiraten und verirren sich, als er nach Europa geschickt und bei einem Fallschirmsprung von den Deutschen abgeschossen wird. McAnuff, der drei Jahrzehnte nach dem Original wieder seine eigene Show inszeniert, präsentiert hier seinen schönsten Regiemoment: Der Projektionsentwurf (von Peter Nigrini) zeigt uns das Innere eines Bomberschachts, und eine Reihe von Fallschirmjägern wird eingesetzt und einer nach dem anderen abgeworfen , über den Boden. Zurück in England wird Tommy geboren und die Air Force teilt Mrs. Walker fälschlicherweise mit, dass der Kapitän niemals zurückkehren wird. Als er endlich nach Hause kommt, stürmt er herein und tötet den neuen Liebhaber seiner Frau – machen Sie sich nicht die Mühe, um ihn zu trauern; er kehrt sofort im Refrain zurück und traumatisiert seinen vierjährigen Sohn. (Ich sah Cecilia Ann Popp als den jüngsten Tommy.) Tommys Eltern beharren auf ihm: „Du hast es nicht gehört / du hast es nicht gesehen“, was dazu führt, dass das Kind eine totale psychische Blockade hat: Es kann das nicht mehr fühlen Welt. .
Die Welt greift dann den eingesperrten Jungen an. Tommys Onkel Ernie (John Ambrosino) belästigt ihn, als er zehn ist (ich sah Quinten Kusheba, der eine der albernsten Lockenperücken des Perücken- und Haardesigners Charles LaPointe trug); sein Cousin Kevin (Bobby Conte) wirft ihn in einen Mülleimer. Tommys älteres Ich, gespielt von einem unheimlich stummen Ali Louis Bourzgui in einem weißen Rollkragenpullover, singt wunderschön über seinem zehnjährigen Körper. „Schau mich an, fühle mich, berühre mich, heile mich“, ruft er durch einen Einwegspiegel, wie ein Phantom der Oper, das den Osten studiert hat. Zumindest Kevin setzt den kleinen Tommy vor einen Flipper und der Junge entdeckt sein Talent. Das Ensemble hebt seine kleinen Beine, so dass es zu fliegen scheint, und der erste Akt endet mit etwas, das von Anfang an hätte passieren sollen: Das Backscrim fliegt davon, und wir sehen, wie die Hausband wie verrückt zerfetzt. Die Energie funkelt und platzt endlich; Unterdrückte Stimmen werden freigesetzt. Wir gönnen uns eine Pause von all den stimmungsaufreibenden Schwarz-Weiß-Projektionen, während Lichtdesignerin Amanda Zieve seltsame sphärische kaleidoskopische Lichter auslöst, die sich wie Warpkerne bewegen und flackern.
Hier wie auch anderswo wählte der Szenograf David Korins die Abstraktion für das wichtigste Accessoire, den Flipper, der auf einem schwarzen Klapptisch gespielt wird, an dessen einem Ende ein leuchtendes Rechteck hervorsteht. Wenn Sie beispielsweise einer Generation angehören, die mit Flippern nicht vertraut ist, werden Sie nicht wirklich ein Gespür für die Pfeifen und Glocken der Carnaby Street haben. Vielleicht spielten die alten Leute mit den TischenJunge Leute werden denken. Sie waren mit so wenig zufrieden.
Und das schien mir die ganze Zeit das Problem zu sein. Die Inszenierung, die eher eine Wiederbelebung als eine Wiederbelebung darstellt, scheint der Meinung zu sein, dass es keinen Sinn hat, uns Flipper zu zeigen, da wir uns sicherlich daran erinnern. Alles, was der Betrachter braucht, ist die Referenz, oder? Nostalgie ist ein Schlüsselelement vieler Shows – das ist im Grunde der Sinn und Zweck des Broadway heute –, aber es ist ruinös, wenn die Macher eine Vergangenheit sehen, die uns auch nicht begeistert.
McAnuff schuf diese Produktion letztes Jahr im Goodman Theater in Chicago und besetzte das Team von 1993 mit neuen Mitarbeitern: Korins anstelle von John Arnone; Choreograf Lorin Latarro anstelle von Wayne Cilento. Aber McAnuff scheint sie so oft gebeten zu haben, stilistisch auf die Arbeit dieser früheren Künstler hinzuweisen, dass ich manchmal das Gefühl hatte, es eher als Einschränkung denn als neue Kreativität zu betrachten. Korins verwendet ein innovatives Gitter aus fliegenden Neonlichtern, aber die Grundgeometrien darunter sind dieselben. Und viele Elemente werden bis zur Verwirrung als Talismane dargestellt. Trug Michael Cerveris 1993 als Tommy eine gelbe Jacke? Dann Kostümbildnerin Sarafina Bush muss Setzen Sie jetzt eins auf Bourzgui. Sogar Christina Sajous, die die psychonautische Sexarbeiterin spielt, macht einen Eindruck von Tina Turner, wahrscheinlich weil ihre Figur, Acid Queen, im Film von Turner gespielt wurde.
Noch wichtiger ist, dass die ohnehin schon bizarre Erzählweise der Serie darunter leidet; Vielleicht geht McAnuff davon aus, dass wir mit der Handlung genauso vertraut sind wie er. (Er kürzt eine Zahl, was die Dinge weniger klar macht.) Die Notwendigkeit, eine Gajmillionen Ereignisse auf engstem Raum zusammenzupferchen, verwirrt das Ende der Show. Das passiert in vier kurzen Szenen: Die Sinne des erwachsenen Tommy werden geheilt, als seine Mutter einen Spiegel zerbricht; er erlangte im Flipper (natürlich!) immensen Ruhm, indem er seinen Cousin als Chef seiner privaten Pseudo-Braunhemden anstellte; er gibt diesen Guru-Status auf, weil ein Fan verletzt ist; und er verlässt glücklich das Big Life, um nach Hause zurückzukehren, wo er von seinem sexuell missbrauchenden Onkel, seinem mörderischen Vater, seiner spiegelzertrümmernden Mutter und seinem gestiefelten Cousin begrüßt wird. (Es gibt auch eine Projektion, die besagt: „IN DER ZUKUNFT“, was, da wir in den 1940er Jahren beginnen, bedeuten würde, dass Tommys Familie unsterblich ist.)
Niemand erklärt, warum Tommys Anhänger manchmal silberne Helme tragen; Wenn Sie aus keiner der vorherigen Inkarnationen der Geschichte erfahren haben, dass Tommy seine Handlanger dazu ermutigt, ihre eigenen Sinne zu unterdrücken, wird Ihnen diese Produktion nicht entgehen. Geplagt von der Bewunderung seiner Fans fordert Tommy seine Anhänger auf, selbst nach der Wahrheit zu suchen. Ja! Ich dachte. Warten Sie nicht in der Schlange! Aber gleich danach, zum Finale, geben alle in der Besetzung ihr Bestes. . . eine Linie . . . und singt das ekstatische „Listening to You“: „Direkt hinter dir sehe ich die Millionen / Auf dir sehe ich die Herrlichkeit / Von dir bekomme ich Meinungen / Von dir bekomme ich Geschichte.“ ich erhalte Meinungen? Tommy, haben sie dich gehört? Hast du dich selbst gehört?
Irgendwann beim Übergang vom Konzert zum Musical verloren Townshend und McAnuff den ursprünglichen Einfluss der Metapher der Rockoper. Ein Doppelalbum braucht keine Logik: Niemand kümmert sich um die oberflächliche Bedeutung, wenn die Musik mit Lärm und Rhythmus das Blut in Wallung bringt; alles kann alles bedeuten. Aber die Dramatisierung von McAnuff und Townshend besteht darauf, dass wir eine Geschichte sehen, die eine Bedeutung hat, und uns dann weigern, diese Bedeutung zu schaffen. Eine Frage kam mir immer wieder in den Sinn: Wer ist Tommy? Tatsächlich handelt es sich eher um eine Abstraktion als um eine Figur. Townshend schrieb einmal, dass der Name durch den britischen Charakter selbst – er ist seit dem 18. Jahrhundert ein Slang für einen englischen Soldaten –, aber auch durch sein eigenes spirituelles Streben, sublimiert wurde. Es enthält die meditative Silbe „om“ und für viele wird uns die Vorstellung eines bedeutungslosen Kindes an unser gemeinsames, unerleuchtetes Selbst erinnern. Wir alle leben, wie Townshends Lieder andeuten, in dieser Art dissoziierter Illusion. Welche Kraft wird uns helfen, die Realität zu erkennen? Das „Tommy“-Album möchte, dass wir unsere eigenen Ideen dazu haben, und ich habe mir in den Stunden, in denen ich es mir angehört habe, mehrere davon ausgedacht. Die Musik ist immer noch oft schön: Sie forderte mich auf, nach innen und nach außen zu schauen. Aber es hat mir sicherlich nie gesagt, ich solle zurückblicken. ♦