Die Whitney Biennale 2024, rezensiert

Was würde passieren, wenn alle Etiketten von „Even Better Than the Real Thing“, der einundachtzigsten Ausgabe der Whitney Biennale, von den Wänden genommen und in den Hudson geworfen würden?

Gewisse Abschnitte würden natürlich unübersichtlicher werden. Wenn Sie durch die gelb erleuchtete Galerie im sechsten Stock des Museums gehen, würden Sie wahrscheinlich nicht annehmen, dass das leise Summen von einem über Ihrem Kopf schwebenden Stromnetz käme, geschweige denn, dass das Licht, das Summen und das Netzwerk „das“ darstellen könnten Spannung zwischen Dissoziation und Hypervigilanz“, so der Künstler des Stücks, P. Staff. Wenn man an den durchsichtigen Medizinschränken vorbeigeht, wüsste man nicht, dass das mit Butter bestrichene Zeug darin Vaseline ist, und selbst wenn man richtig geraten hätte, würde man immer noch die Tatsache ignorieren, dass die Künstlerin Carolyn Lazard sich für Vaseline entschieden hat, weil es „beides“ ist ein Gleitmittel und eine Okklusionssalbe“ und daher mit seinem Interesse an „der Verflechtung zwischen Krankheit und Kapitalismus“ verbunden.

Aber ansonsten könnte eine Biennale ohne Label klarer sein. Im Einführungstext der Co-Kuratorinnen Chrissie Iles und Meg Onli heißt es: „Künstliche Intelligenz erschwert unser Verständnis dessen, was real ist.“ Eines der ersten Kunstwerke, die Sie im sechsten Stock sehen, ist natürlich ein KI-generierter Druck, mit freundlicher Genehmigung von Holly Herndon und Mat Dryhurst. Daher ist es eine Enttäuschung, weiter durch die Galerien zu stöbern und so gut wie keine weiteren Werke zu finden, die sich mit künstlicher Intelligenz befassen. . Zumindest würde eine Show ohne Wandtexte Sie nicht so ärgern. Es fällt Ihnen auch leichter, zu erkennen, wie viele dieser Werke nicht nur wegen ihres Hintergrunds, sondern auch wegen ihrer Ästhetik auf Text angewiesen sind: Die Schönheit oder der Humor, den sie haben, kommt von nahegelegenen Wörtern, so wie der Schein des Mondes vom Schein des Mondes herrührt Sonne. .

Lohnt es sich, mürrisch zu sein? Man kann immer der Whitney Biennale, der am längsten laufenden Umfrage zur amerikanischen Kunst, vorwerfen, dass sie nicht besser ist, aber man kann immer dem Winter vorwerfen, dass er kalt und grau ist. Eine unvermeidliche Kombination aus Bürokratie, menschlicher Fehlbarkeit und mathematischen Gesetzen macht die Sache langweilig: Jedes Mal wählen die Kuratoren sechzig oder hundert oder in diesem Jahr einundsiebzig Künstler aus, deren Werke einen Bezug zum Zustand der Gesellschaft und des Staates haben von der Kunst. Machen Sie diese Arbeit und nicht Mit einem klaffenden Job zu enden wäre so, als würde man einundsiebzig Mal hintereinander eine Doppelsechs werfen. In diesem Jahr wird wie immer Eklektizismus mit Reichtum verwechselt: „Even Better Than the Real Thing“ setzt sich öffentlichkeitswirksam für geografische Vielfalt ein, aber seine wichtigste Lehre dürfte sein, dass die Kunst des 21. Jahrhunderts von überall und trotzdem kommen kann. Sprechen Sie aufgrund des Zeitunterschieds im gleichen monotonen Ton. Darüber hinaus gingen mehr als ein Viertel der ausgestellten Künstler an eine der drei Schulen.

Unter der Annahme, dass ein Beispiel wie dieses ernst genommen werden kann, ist künstliche Intelligenz nicht das spannendste Thema für zeitgenössische amerikanische Künstler; Es ist der gute alte menschliche Körper. Sowohl das markante als auch das langweilige Artwork hat einen kräftigen Funk-Anteil. Jes Fan wandelt CT-Scans seines Körpers in Glasfaserskulpturen um. In den Keramikskulpturen von Julia Phillips verweisen die Abgüsse auf eine Phantombrust und ein Phantomgesicht; Eine Galerie weiter kombiniert Carmen Winant, die sich über das Pathos der Abtreibungsklinik lustig macht, Hunderte Fotos von Ärzten und Freiwilligen zu einem riesigen Rechteck. Besser als die drei wurde Pippa Garner, einer Achtzigjährigen, die dritte Etage des Museums anvertraut und verdient ihren Lebensunterhalt mit Zeichnungen, die hier in Form von Fotokopien reproduziert werden, von nutzlosen Geräten zur Körpervergrößerung: einem Telefonsupport, der das Versenden von SMS ermöglicht mit Ihrer Sprache, einen „Multi-Stift“ zum Unterzeichnen von Schecks, eine ferngesteuerte Toilettenspülung. Wenn Sie genügend Zeit damit verbringen, daran zu schnüffeln, sieht der Körper selbst wie ein weiteres klobiges Gerät aus – SMS in Sprache zu schreiben kann lächerlich sein, aber a Sprache. Nichts in diesem nervösen Gekritzel scheint endgültig; Garner spuckt wie die Natur einfach. Das bedeutet, dass das Ernsthafte und Nachdenkliche in ihren Zeichnungen, von denen viele während ihrer Geschlechtsumwandlung entstanden sind, untrennbar mit dem Lustigen verbunden ist. Gute Künstler kommen wie gute Schauspieler ohne das Sicherheitsnetz der Erklärung sehr gut zurecht.

Schauen Sie sich die letzten Kataloge dieser Ausstellung an und Sie werden unter Hunderten vergessener Namen Joseph Cornell, Nam June Paik, Jackson Pollock, Nicole Eisenman, Kerry James Marshall und Julie Mehretu finden. Unabhängig davon, ob es eine der diesjährigen Serien auf diese Liste schafft oder nicht, haben sie für genügend Witz und visuelles Vergnügen gesorgt, um zu verhindern, dass sich „Even Better Than the Real Thing“ wie eine Wüste anfühlt. Die Silbermedaille für Körperkomödie geht an Sharon Hayes, deren Video „Ricerche: Four“ Interviews mit älteren LGBTQIA-Amerikanern über Sex und Sexualität im Stil von Pasolinis „Love Meetings“ zusammenführt. Zunächst langsam, erzeugt er überraschend viel Hitze, während seine Untertanen gestehen, erröten und lachen. „Ich denke immer, dass ich sexy bin und ich fühle mich sexy“, sagt ein Mann mit einer pfirsichfarbenen Mütze, während ein Huhn hinter ihm herläuft. Eine Art entspannter Veranda-Charme hält den Raum zusammen, aber irgendwann merkt man, dass man es mit vielleicht einem halben Jahrtausend Erfahrung gepaart mit Liebe zu tun hat. Die gleiche entspannte Monumentalität ist in Suzanne Jacksons Acrylgelgemälden (fast Skulpturen) zu spüren, die wie gezackte Glasscheiben aussehen, die alles absorbieren, was sie berühren. Die besten hängen rahmenlos in der Mitte ihres Zimmers und laden das Publikum ein, sie aus allen Blickwinkeln zu betrachten und die darin eingeschlossenen Samen und andere seltsame Teile zu beobachten. Betrachten Sie es als den bösen Zwilling des Action-Paintings: die Schöpfung als eine langsame, sickernde Anhäufung.

Andere interessante Teile haben überhaupt nichts mit dem Körper zu tun und haben mehr Kraft. Takako Yamaguchis abstrakte Meereslandschaften erfinden das Rad nicht neu, aber sie sind zu üppig, um an jemand anderen als den Geist von Clement Greenberg zu denken, mit einer Eleganz, die an Grafikdesign aus der Mitte des Jahrhunderts erinnert. In Nikita Gales „Stolen Time“ erzeugt ein altes Klavier keine Melodie, sondern nur verstimmte Tastenklicks, die auf und ab gehen. Dies ist eine härtere Version von „4’33“, in der John Cage kroch: Die Tastenklänge sind keine Musik in dem Sinne, in dem dieses Wort normalerweise verstanden wird, aber kein Pianist könnte sein Instrument benutzen, ohne auch solche Klänge zu erzeugen. Wenn wir über Musik sprechen, sprechen wir in der Regel entweder über eine Partitur oder eine physische Darbietung, beziehen uns aber wahrscheinlich auf ein bisschen von beidem, wobei Gales verbesserte Klänge das fehlende Bindeglied zwischen beidem sind. Ich kann mir vorstellen, dass seine Arbeit einem Urheberrechtsanwalt ein Aneurysma bereitet: Stellen seine Geräusche eine Basslinie oder eine Melodie dar? Warum macht das Rechtssystem überhaupt solche Unterscheidungen? Um welches geistige Eigentum handelt es sich? Die Fragen kommen einem spontan, nicht dank der Aufforderung „Gestohlene Zeit“ könnte ohne sie sogar noch stärker sein. Mit dem befriedigenden Klicken eines mathematischen Beweises entstehen Ideen aus anderen Ideen. Ich habe es schon einmal gesagt: Konzeptkunst ist nicht langweilig; Schlechte Konzeptkunst ist.

Aus der Nähe betrachtet sind die vier Stoffassemblagen von Harmony Hammond die prägnantesten Elemente dieser Ausstellung. Sie verwenden eine Vielzahl von Materialien, um eine ganze Palette von Körpern zu suggerieren, von glänzenden, geknöpften bis hin zu gealterten und kreidigen Körpern. Die Farben sind größtenteils gedämpft, und das strategisch so: Wenn ein roter Spritzer aus dem schmutzigen weißen Feld von „Caterpillar #11“ hervorlugt, tut es fast weh. Hammond schlug vor, dass solche Schnörkel „sexuelle Brutalität gegen Frauen“ hervorrufen sollten, aber treten Sie ein paar Schritte zurück und staunen Sie, wie dies das Geheimnis seiner Arbeit nur vertieft – wenn Rot Brutalität bedeutet, was sind dann die Fäden, das verschmierte Weiß, das Nelken? Die Interpretation ist eng mit der reinen und materiellen Fremdartigkeit des Objekts verbunden und kann nicht losgelöst werden. Ich nehme an, dass Kunst wie diese für die Ewigkeit gebaut ist. Wenn Sie jedoch eine klare, nicht aufdringliche politische Botschaft bevorzugen, können Sie zum anderen Ende des sechsten Stocks gehen, auf die Terrasse gehen und einige schöne Zeit mit Kiyan Williams‘ großer Erdskulptur verbringen, die das Versinken des Weißen Hauses zeigt der Boden. , mit der amerikanischen Flagge auf dem Kopf. Für den Fall, dass Sie nicht verstehen, was es bedeutet, gibt es ein Etikett. ♦