Ce n’était pas la première année que les Oscars tombaient le deuxième dimanche de mars, obligeant les bons citoyens d’Hollywood à gérer leurs rendez-vous chez le coiffeur et leurs déplacements en limousine en fonction du fléau annuel qu’est l’heure d’été. Malgré cela, la quatre-vingt-seizième cérémonie annuelle des Oscars a causé plus que sa part de ravages attendus dans les calendriers. L’Académie des arts et des sciences du cinéma, dans l’espoir d’élargir sa portée auprès des personnes soumises à des couvre-feux stricts et à une capacité d’attention limitée, a choisi de donner le coup d’envoi du spectacle à une heure auparavant inédite, le 4 MP Ou, comme l’a plaisanté l’animateur de cette année, Jimmy Kimmel, dans son monologue d’ouverture : « L’émission, comme vous le savez, commence une heure plus tôt cette année, mais ne vous inquiétez pas. Cela se terminera quand même très, très tard.
Une telle dislocation temporelle était sûrement de bon augure, même si elle n’était pas nécessaire, pour Christopher Nolan et « Oppenheimer ». Les films de Nolan, après tout, ne sont que des lamentations sur le temps perdu, composées avec bravoure d’éclats d’anarchie chronologique. Dans son premier classique, « Memento » (2000), l’intrigue noirâtre se déroule à la fois en arrière et de côté ; dans son thriller virtuose sur la Seconde Guerre mondiale, « Dunkerque » (2017), trois lignes temporelles éclatées se replient et se tissent et se battent parfois, comme si les périls du combat militaire avaient fait perdre la linéarité elle-même. Le plus magnifiquement désorientant de tous est l’épopée de science-fiction « Interstellar » (2014), dans laquelle une équipe d’astronautes se glisse dans un trou de ver pendant quelques heures et en ressort pour découvrir que vingt-trois ans de temps terrestre se sont écoulés. En appliquant les mêmes calculs, on pourrait théoriquement parcourir quatre-vingt-seize ans d’histoire des Oscars en treize heures environ, ce qui, pour de nombreux téléspectateurs, correspond de toute façon à la durée moyenne d’une cérémonie des Oscars.
En comparaison, les boucles structurelles de « Oppenheimer » sont au mieux légèrement éprouvantes, et c’est, je suppose, la raison pour laquelle le film a si bien réussi auprès des critiques, du public et maintenant des membres de l’Académie. Même s’il parcourt plusieurs décennies de la vie de J. Robert Oppenheimer, le physicien théoricien aujourd’hui considéré comme « le père de la bombe atomique », le film de Nolan est propulsé vers la cohérence par son urgence morale, son sujet sombre et, surtout. , le brio intellectuel et la subtilité émotionnelle de la performance de Cillian Murphy dans le rôle-titre, pour lequel il a remporté le prix du meilleur acteur. En tout, “Oppenheimer” a remporté sept prix dimanche soir, dont celui du meilleur acteur dans un second rôle (Robert Downey, Jr.), du meilleur montage de film, de la meilleure photographie, de la meilleure musique originale et du meilleur film – un point culminant que même l’échappatoire chaotique d’Al Pacino n’a pas réussi à atteindre. une présentation pourrait éviter de donner l’impression d’être la conclusion la plus courue d’avance.
Nolan lui-même a remporté sa première statuette du meilleur réalisateur, qu’il a reçue des mains d’un Steven Spielberg rayonnant, presque exactement trente ans après que ce dernier ait remporté son premier réalisateur Oscar. Spielberg a accepté cet honneur pour « La Liste de Schindler », un drame de la Seconde Guerre mondiale qui tend un miroir brisé à « Oppenheimer ». Les deux films ont conféré à leurs réalisateurs un sentiment de prestige artistique attendu depuis longtemps et ont tous deux remporté sept Oscars chacun. Mais là où l’histoire de Spielberg sur la survie à l’Holocauste insiste sur la présence d’une bonté inexplicable au milieu d’un mal indescriptible, la biographie sombre et désespérée de Nolan dépeint son sujet comme le plus terni des antihéros alliés : voici un homme dont nous ne nous souvenons pas (seulement) pour les nombreuses vies qu’il a vécues. sauvé mais aussi pour l’horreur apocalyptique qu’il a déchaînée sur le monde.
Le balayage « Oppenheimer » était-il de trop ? D’un point de vue symbolique, non. Si les films de Nolan incarnent une quête du temps perdu, l’attention soutenue portée à celui-ci nous a néanmoins contraint, de manière poignante, à un sentiment obstiné du temps retrouvé. Après plusieurs années de palmarès du meilleur film plus précis et à plus petite échelle – « Moonlight » (2016), « Parasite » (2019) et « Nomadland » (2020) étant de loin le meilleur du lot – l’amour pour “Oppenheimer” fait un clin d’œil agressif à une époque révolue d’Hollywood, lorsque les Oscars étaient souvent dominés par des épopées géantes avec de grands thèmes, des ensembles remplis de stars et des photographies brillantes sur celluloïd (une vertu que le directeur de la photographie gagnant du film, Hoyte van Hoytema, a pris soin de rappeler. nous de). Malgré treize nominations en tête du peloton, “Oppenheimer” est loin d’atteindre les onze trophées remportés par des blockbusters précédents comme “Titanic” (1997) et “Le Seigneur des Anneaux : Le Retour du Roi” (2003). Pourtant, c’est ce qui se rapproche le plus d’un triomphe de retour que les studios hollywoodiens, ou ce qu’il en reste, ont réussi à concevoir depuis des lustres. Après les privations presque consécutives dues d’abord à la pandémie, puis aux grèves des scénaristes et des acteurs de l’année dernière, il y avait quelque chose de réconfortant dans le désir de l’Académie de reconnaître un blockbuster intelligent pour changer – un rappel bien nécessaire, ne serait-ce que pour un dernier soupir. , de ce que signifie voir le génie du système à l’œuvre.
Tout comme « Oppenheimer » lui-même, la cérémonie des Oscars s’est efforcée, et parfois tendue, de récupérer un semblant disparu de grandeur hollywoodienne. À des lieues de la cérémonie désastreuse de 2022, qui a supprimé plusieurs catégories de récompenses de la retransmission en direct dans la poursuite malavisée d’audiences plus élevées, la cérémonie de cette année s’est penchée sans vergogne sur l’Oscariness à l’ancienne. Et voici donc Kimmel, embrassant joyeusement son quatrième passage en tant que MC des Oscars et philistin du cinéma autoproclamé, tapotant doucement (mais sans percer) quelques egos de stars de cinéma tout en réservant son mépris le plus sévère à la cible la plus fatiguée, les trois- durée d’une heure et vingt-six minutes de “Killers of the Flower Moon”. Ici aussi, il y avait de somptueux numéros musicaux, gracieuseté des cinq nominés pour la meilleure chanson originale, aucun n’étant plus à couper le souffle que la performance de Billie Eilish et Finneas O’Connell de « What Was I Made For ? », de « Barbie », et aucun plus extravagant que « I’m Just Ken », également de « Barbie ». Dirigé par le plus joli Ryan Gosling en rose, entouré de Kens en smoking à perte de vue, le nombre n’était pas seulement supérieur à celui de Kenough ; c’était positivement Kenormous, voire Kenervating, un Kendorsement à part entière qui, s’il avait été tenu ne serait-ce qu’un instant de plus, aurait pu déboucher sur une Kentropy irréversible.
Conformément à l’ambiance générale de retour, l’Académie a relancé la belle mais longue tradition de faire remettre les prix d’acteur par non pas un mais cinq lauréats précédents. D’où le spectacle chaleureux de Cillian Murphy serrant sincèrement la main de Forest Whitaker, Ben Kingsley, Brendan Fraser, Matthew McConaughey et Nicolas Cage, tandis que, dans un échange plus glauque, Robert Downey, Jr., serrait la main de Tim Robbins, frappait Sam du poing. Rockwell, et a à peine établi un contact visuel avec le vainqueur de l’année dernière, Ke Huy Quan, qui a pressé avec impatience la statuette dans les mains de Downey. À certains égards, le transfert le plus gracieux a été géré par Da’Vine Joy Randolph, qui a lancé la série sans surprise mais avec émotion avec son discours de la meilleure actrice dans un second rôle, pour “The Holdovers”. Plus choquant, pour certains, a été la victoire d’Emma Stone dans la catégorie Meilleure actrice pour le film fantastique et dérangé “Poor Things”. Ce film s’est classé deuxième derrière « Oppenheimer », avec quatre prix, dont celui du meilleur maquillage et coiffure, du meilleur design de production et du meilleur design de costumes. Ce dernier a été présenté par un John Cena presque nu, dans un clin d’œil effronté au tristement célèbre incident de streaker aux Oscars, il y a cinquante ans – une belle touche dans une série qui n’a pas peur de reconnaître sa propre histoire.
Mais qu’en est-il de l’histoire que l’Académie n’a pas encore écrite ? La victoire de Stone – sa deuxième dans la catégorie actrice principale, après celle dans « La La Land » (2016) – a déçu ceux qui voulaient que Lily Gladstone devienne la première interprète amérindienne à remporter un Oscar pour le rôle principal, le la force de son travail subtilement percutant dans « Killers of the Flower Moon ». Mais malgré un nombre impressionnant de dix nominations aux Oscars, « Killers » est devenu la dernière épopée de Martin Scorsese – après « Le Loup de Wall Street » (2013), « Silence » (2016) et « The Irishman » (2019) – à quitter le devant de la scène. Les Oscars les mains vides. C’est un sombre rappel que Scorsese, malgré tous ses éloges, a longtemps été considéré comme un étranger à l’establishment hollywoodien que les prix de cette année cherchaient à célébrer. Mais la victoire de Stone n’était pas inattendue (elle a remporté le prix de la meilleure actrice aux British Academy Film Awards le mois dernier) et la bonne performance de “Poor Things”, une adaptation par un réalisateur grec d’un roman écossais, réalisée par des sociétés de production britanniques et irlandaises et se déroulant dans un monde fantaisiste. Les rendus victoriens de Londres, Lisbonne, Paris et Alexandrie peuvent également augurer de quelque chose de plus large que la simple indifférence de Scorsese. C’était un signe, et à mes yeux tout à fait bienvenu, que l’Académie, après avoir pris des mesures vitales ces dernières années pour diversifier sa composition, est par conséquent une organisation plus mondiale que jamais.
Il y a eu des signes de cette progression internationale depuis le début, aucun n’étant plus exaltant que la victoire du meilleur film du thriller coréen « Parasite », il y a quatre ans. Mais il y avait d’autres indices dimanche soir, pour ceux qui savaient où les chercher. Il y a eu le prix du meilleur scénario original pour le drame épineux, principalement en langue française, « Anatomie d’une chute », clôturant une impressionnante série de récompenses qui a commencé avec sa victoire à la Palme d’Or, au Festival de Cannes l’année dernière. Il y a également eu la victoire du meilleur long métrage d’animation pour “Le garçon et le héron”, le dernier en date du maître japonais Hayao Miyazaki, légèrement bouleversé par un hit américain très apprécié, “Spider-Man: Across the Spider-Verse”. Il y avait la catégorie du meilleur long métrage documentaire, dominée par les productions étrangères à un degré apparemment sans précédent, et qui a conféré le premier prix au vital et intensément déchirant « 20 jours à Marioupol ». Le réalisateur d’origine ukrainienne, Mstyslav Chernov, a prononcé l’un des rares discours extraordinaires de la soirée, exprimant son souhait de n’avoir jamais eu à faire son film en premier lieu, et aussi son espoir que « les habitants de Marioupol et ceux qui ont donné leur vie ne seront jamais oubliés, car le cinéma forme la mémoire et la mémoire fait l’histoire.»
Un sentiment similaire a inspiré l’autre discours imposant de la soirée, et le seul qui a menacé, même de loin, de sortir le public ou l’Académie de leur stupeur semi-nostalgique. L’orateur n’était pas Nolan, qui, comme la plupart de ses collègues lauréats du film « Oppenheimer », a largement éludé les questions de guerre nucléaire que leur film a contribué à réveiller. Je parle du réalisateur d’origine britannique Jonathan Glazer, qui a reçu le prix du meilleur film international pour “The Zone of Interest”, son impitoyable et fascinant réquisitoire contre une famille nazie vivant, dans un confort monstrueux, à côté du camp d’extermination d’Auschwitz. . Aucun meilleur film n’a été nominé pour un Oscar cette année, et aucun film n’a été plus profondément sensible à ses implications brutales hors écran. Et Glazer, un outsider de l’industrie cinématographique qui faisait ressembler Scorsese à Spielberg, a profité de son moment de victoire pour exprimer, en termes franchement explicites, un argument moral que son film avait déjà exposé avec une clarté tranquille.
Reliant les conflagrations de l’Holocauste à celles qui ravagent actuellement le Moyen-Orient, il a condamné « une occupation qui a conduit à un conflit pour tant de personnes innocentes, qu’il s’agisse des victimes du 7 octobre en Israël ou de l’attaque en cours sur Gaza ». Ses paroles ont suscité quelques applaudissements, même si elles ont semblé assez tièdes à mes oreilles. Pour tous les invités présents qui avaient attaché des épingles rouges à leurs tenues de soirée en soutien au cessez-le-feu à Gaza, je n’ai pas pu m’empêcher de penser aux nombreux autres qui avaient probablement esquivé ou ignoré les manifestants pro-palestiniens qui s’étaient rassemblés quelques heures auparavant. à l’extérieur du théâtre et a interrompu la circulation sur Hollywood Boulevard. Je soupçonne que, au moins dans l’auditoire, le discours de Glazer, et peut-être même son film, ont provoqué une gamme de réponses tout aussi faible : au mieux de l’irritation et au pire de l’indifférence.
“The Zone of Interest” n’est pas le premier film à s’avérer trop bon pour les Oscars, ou à faire honte, à l’arrière-scène et enfin à transcender les rituels brillants de la saison des récompenses. Mais sa simple présence sur la scène du Dolby Theatre constitue un rappel bienvenu, quoique dissonant, du fait que, à mesure que l’Académie devient plus internationale – dans le nombre de ses membres et dans la gamme de films qu’elle considère – elle aura de plus en plus de mal à fermer les yeux ou à faire la sourde oreille au monde réel qui se trouve au-delà d’Hollywood. C’est peut-être une autre raison pour laquelle, en fin de compte, il semblait si maladroit d’honorer Nolan aux Oscars de cette année. Les progrès peuvent être d’une lenteur frustrante, au point même de sembler s’inverser, mais ce n’est toujours qu’une question de temps. ♦