Paul Valéry schrieb, dass Geschmack aus tausend Ekeln bestehe. Im Allgemeinen ist es besser, Ersteres zu teilen als Letzteres, und gegen Ende eines jeden Jahres, wenn die Verleiher für die Preisverleihungssaison die Produkte herausbringen, auf die sie am meisten stolz sind, gibt es keinen Mangel an guten Filmen, die man übernehmen kann. Ich bin begeistert Ich bin eher geneigt, zwischen den kleineren zu wählen. Viele von ihnen werden verschwinden, ohne große künstlerische oder sogar kulturelle Spuren zu hinterlassen – wobei „kulturell“ hier alles ist, worüber wir in den Künsten sprechen, außer über Ästhetik. Doch dann kommen die Oscar-Nominierungen, die den Filmen sofort Bedeutung verleihen und ihre eigenen journalistischen Notwendigkeiten schaffen. Ich habe bereits sieben der zehn Nominierten für den besten Film rezensiert: „Anatomy of a Fall“, „Barbie“, „The Holdovers“, „Killers of the Flower Moon“, „Maestro“, „Oppenheimer“ und „The Zone of“. Interesse.” Die anderen drei, die ich vor Monaten zum ersten Mal gesehen habe, sind alles andere als belanglos, aber andere lösten damals stärkere Reaktionen aus. Nun sorgt aber auch die Tatsache, dass sie für einen großen Preis nominiert sind, für Aufregung und veranlasst mich zu klären, warum ich keinen der drei auf meine eigene Liste der besten Filme des Jahres gesetzt hätte.
„Amerikanische Fiktion“
Gegen Ende dieser Adaption von Percival Everetts umwerfendem polyphonen Roman „Erasure“ aus dem Jahr 2001 führt Autor und Regisseur Cord Jefferson seine eigene metafiktionale Wendung ein. Es wäre unfair, es zu verraten, außer zu sagen, dass es explizit den Unterschied zwischen einem Film und einem Roman hervorhebt – oder besser gesagt, was es braucht, um eine Verfilmung zum Erfolg zu führen. Es handelt sich um eine inspirierte Änderung, die aber auch etwas Selbstrechtfertigendes an sich hat, als ob der Filmemacher sich selbst einen Freibrief für alle anderen Änderungen geben würde, die er am Ausgangsmaterial vornimmt. Und leider entfernen Jeffersons andere Änderungen im Wesentlichen das, was das Buch zu einem faszinierenden und komplexen Porträt eines Schriftstellers in der Krise macht: die Stimme.
Der Film erzählt wie das Buch die Geschichte eines schwarzen Schriftstellers und Hochschulprofessors namens Thelonious Ellison (Jeffrey Wright) mit dem Spitznamen Monk, der Schwierigkeiten hat, seinen neuesten Roman zu veröffentlichen, weil er auf „Die Perser“ von Aischylos basiert und nicht auf was die Herausgeber als die schwarze amerikanische Erfahrung betrachten. Als Monk erfährt, dass eine in Oberlin ausgebildete schwarze Frau mit Erfahrung im Verlagswesen einen Bestseller geschrieben hat, von dem er glaubt, dass er nur schädliche Stereotypen aufrechterhält, nimmt er eine literarische „Ghetto“-Persönlichkeit an und schreibt eine Parodie in die gleiche Richtung. Und siehe da, es wurde für Hunderttausende Dollar gekauft, für Millionen nach Hollywood verkauft und für einen großen Literaturpreis nominiert. Unterdessen ist Monk, der Sohn gebildeter Berufstätiger aus der oberen Mittelschicht, in familiäre Probleme und romantische Probleme verwickelt, die genau die Art von schwarzem Leben darstellen, die, wie der Film suggeriert, von Redakteuren (und Filmemachern) ignoriert wird.
Der Roman von Everett Monk ist eine komplizierte Figur. Als Intellektueller, der von kontinentaler Philosophie und Literaturtheorie besessen ist, macht er intellektuelle Nebenbemerkungen in Französisch und Latein und schätzt das literarische Spiel. (Er arbeitet an einem Roman über Roland Barthes‘ Unterwerfung unter seine eigenen poststrukturalistischen Methoden.) Jeffersons Mönchsfilm ist ein tweediger Humanist, ein relativ traditioneller Leser, dessen Alltagsvokabular nicht mit Theorien und Mysterien übersät ist, einschließlich der äußerlichen Differenz mit Nicht -Spezialisten. -Literarische Nichtintellektuelle sind nicht so peinlich und sichtbar. Everett’s Monk schreibt eine offensichtliche und skandalöse Parodie; Darin sind arme schwarze Kinder mit Namen wie Aspireene und Tylenola zu sehen, und es handelt sich auch um eine alte und offensichtliche Adaption von Richard Wrights „Native Son“. Die Parodie des Films kombiniert normale Macho-Gewalt mit absichtlich billigem Sentiment. Der Mönch von „Erasure“ – der Titel selbst leitet sich von einer Geschichte über Willem de Kooning und Robert Rauschenberg ab, an die sich Monk erinnert – ist intensiv und überschwänglich performativ, ein Meister vieler Stimmen. Everett schreibt es und den gesamten Roman mit einem präzisen, archaischen, aber extravaganten und brillanten Stilgefühl. Jeffersons Film ist besonders umstritten, was den Stil angeht, da er wörtlich mit dem Drehbuch verknüpft ist: Bilder von Schauspielern, die agieren und Dialoge führen. (Es ist faszinierend, dass Jefferson in den wenigen Szenen, die den naturalistischen Erzählrahmen durchbrechen und in Fantasie und Metafiktion abtauchen, auch kühn inspirierte Bilder schafft.)
Im Allgemeinen ist „amerikanische Fiktion“ absichtlich provokant, aber abgeschwächt. Die kraftvolle literarische Identität des Romans wird auf Gesprächsthemen reduziert, und selbst diese werden oft verunglimpft. Monks Schwester Lisa (Tracee Ellis Ross) beispielsweise ist Ärztin in einer Klinik, die Abtreibungen durchführt; im Film stirbt sie an einem Herzinfarkt; Im Buch wird sie von einem Abtreibungsgegner ermordet. Als ich den Film zum ersten Mal sah, hatte ich das Buch noch nicht gelesen, aber es war unmöglich, nicht das Gefühl zu haben, dass etwas fehlte: ein gewisser Sinn für Stil und Hingabe.
Teo Yoo und Greta Lee spielen die Hauptrollen in „Past Lives“ von Celine Song.Fotografie mit freundlicher Genehmigung von A24
“Vergangene Leben”
Einer der Hauptunterschiede zwischen meinen Best-of-Listen und den Oscar-Nominierten für den besten Film ist Jahr für Jahr die übliche Ablehnung von Low-Budget-Filmen durch die Akademie, mit wenigen Ausnahmen. Im Low-Budget-Kino begeben sich die Oscars auf die Suche nach einem verlorenen Idealismus, selten im Bereich der Kunst, häufiger im Bereich sozialer Tugend oder einfach nur nach etwas ganz Besonderem. Doch die meisten der besten Independent-Filme sind ebenso hartnäckig und unerschütterlich wie die Filme kompromissloser, konflikterprobter Arthouse-Veteranen, und einige dieser Filme hätten es tatsächlich auf meine Top-Ten-Liste geschafft. Zu den Nominierten für den besten Film gehört auch in diesem Jahr ein relativ preisgünstiger Film – „Past Lives“, das Spielfilmdebüt von Céline Song – und er tritt in die Fußstapfen seiner sanftmütigen Vorgänger.
„Past Lives“ ist eine Erzählstruktur auf der Suche nach einem Film, einer Handlung, die noch darauf wartet, dass ihre Charaktere geschrieben werden. Es findet in drei verschiedenen Zeiträumen statt, die jeweils zwölf Jahre voneinander entfernt sind. Im Alter von zwölf Jahren wandert Na Young (Seung-ah Moon) mit ihrer Familie nach Kanada aus und hinterlässt Hae Sung (Seung-min Yim), den Jungen, mit dem sie eine Welpenliebe hat. Sie hatten seit einem Dutzend Jahren keinen Kontakt mehr; Dann erfährt Na Young – jetzt Nora genannt (und als Erwachsene gespielt von Greta Lee) und in New York lebend –, dass Hae Sung (Teo Yoo) online nach ihr gesucht hat. Sie nimmt Kontakt auf und die beiden nehmen ihre Beziehung über Skype oder so wieder auf, aber beide gehen zur Schule (Nora will Schriftstellerin werden, Hae Sung studiert Ingenieurwesen); keiner ist bereit zu reisen, um den anderen zu sehen, und Nora, die das Gefühl hat, zu viel in diese Telebeziehung ohne erkennbare Zukunft zu investieren, bricht den Kontakt ab. Zwölf Jahre vergehen und Hae Sung reist nach New York und sieht Nora zum ersten Mal seit vierundzwanzig Jahren persönlich. Mittlerweile hat sie Theaterstücke produziert und einen anderen Schriftsteller geheiratet, Arthur Zaturansky (John Magaro). Die Frage ist, ob die Liebe der ersten Charaktere und die, die in ihren Zwanzigern aus der Ferne wieder aufblühte, jetzt, da sie sechsunddreißig Jahre alt sind, Wirklichkeit wird.
Der Film läuft wie ein Drehbuchauftrag ab, dessen drei Akte mit einem Lineal unterteilt sind. Die Struktur von „Past Lives“ ist durch ein paar Zwischenszenen (z. B. als Nora ins Wohnheim geht und Arthur trifft) gerade genug gestört, um jeden Eindruck von Formalität oder unnatürlicher Starrheit zu beseitigen. Wenn man sich einen Film ansieht und sich wünscht, dass bestimmte Dinge enthalten wären oder bestimmte Szenen gefilmt würden, ist es normalerweise eine Herausforderung, sich vorzustellen, was hätte gekürzt werden können, um Platz dafür zu schaffen. In „Past Lives“ stechen bestimmte Szenen vordergründig als einfache Illustrationen hervor, die darauf abzielen, Fakten wie durch eine filmische eidesstattliche Erklärung zu ermitteln.
Er schlägt vor, dass Arthur und Nora dieselben Bücher gelesen und dieselben Filme gesehen haben, und er hat einige kluge Ratschläge zu seinen Stücken zu geben. Welche Bücher und Filme? Was sind seine Stücke? Er schrieb einen Roman mit dem Titel „Boner“; Ist es so provokant wie sein Titel? Außerdem, ist Arthur? Die kleine, vornehme und unterdrückte Welt, die in „Past Lives“ dargestellt wird, würde von einer verirrten Idee, einer zufälligen Meinung, einem direkten Hinweis, einer vagen Bemerkung durchkreuzt werden. Aber „Past Lives“ ist ein Film von A-Studenten, von A-Studenten, für A-Studenten, die es so gewohnt sind, Werke auf ihre Struktur und ihre Einheiten hin zu analysieren, dass sie sie zu einem Film verbinden, der außer der eigenen Präsenz der Schauspieler nichts anderes zu bieten hat . Es erweckt den Eindruck, als sei die Arbeit als Schriftsteller oder Dramatiker in New York die traurigste, luftleerste, intellektuell sterilste und erfahrungsloseste Tätigkeit, die man sich vorstellen kann – und vermeidet gleichzeitig jegliches wirkliche Gespür für die Umwelt, die Menschen, die betreffenden Tätigkeiten.
Nachdem ich „Past Lives“ zum ersten Mal gesehen hatte, las ich, dass Song selbst einige der fraglichen Erfahrungen erzählt hatte. Ihr Vater ist, wie der von Nora, Filmemacher; die Familie wanderte nach Kanada aus; Song ging nach New York; sie heiratete einen jüdischen Schriftsteller; und sie knüpfte wieder Kontakt zu einer Jugendliebe aus Korea. Während dieses Wiedersehens wurde ihr klar, dass sie eine Geschichte hatte – und es ist eine gute. Ich bin mir sicher, dass Song und die Menschen um ihn herum im Gegensatz zu den Charakteren im Film sachkundig, neugierig und leidenschaftlich mit der Kunst und der Welt beschäftigt sind. Aber sie filtert sich selbst und sie aus ihrem Film heraus; Dies ist ein Film, der darauf wartet, gedreht zu werden.
Emma Stone spielt die Hauptrolle in „Poor Things“, geschrieben von Tony McNamara und unter der Regie von Yorgos Lanthimos.Fotografie von Yorgos Lanthimos / Mit freundlicher Genehmigung von Searchlight Pictures
“Arme Dinger”
Etwas Fischauge kommt hierher. Der wunderschön konstruierte Dialog, gebrochen und wieder zusammengesetzt, der aus der Stimme von Emma Stone entsteht – als Protagonistin Bella Baxter, der das Gehirn eines Kindes in den Kopf eines Erwachsenen implantiert wurde und die Englisch heuristisch und in halsbrecherischem Tempo neu beherrscht – ist das bemerkenswerte Werk des Drehbuchautors Tony McNamara, und es ist eine bemerkenswerte literarische Schöpfung. Stone verleiht den unbeholfenen, aber ausdrucksstarken Konstruktionen einen energischen, naiven Rhythmus, und jedes Mal, wenn sie spricht, erwacht der Film zum Leben. Doch der Regisseur des Films, Yorgos Lanthimos, gibt sich nicht mit einem sprachlichen Bildungsroman zufrieden. Der Film, eine Adaption eines Romans des schottischen Schriftstellers Alasdair Gray, der in einer Steampunk-Version der viktorianischen Ära spielt, ist eine Adaption von „Frankenstein“: Bella ist eine Frau, deren Leiche von dem berühmten Godwin Baxter (Willem Dafoe) gekauft wird Der Chirurg, der die Gehirntransplantation durchführt, verleiht ihm die körperlichen Fähigkeiten und Wünsche eines Erwachsenen, aber die intellektuellen Fähigkeiten und sozialen Fähigkeiten eines Babys – und auch eine erstaunlich steile Lernkurve.