Das Theater ist ein Spiegel, aber wozu dient er? Wir zitieren „Hamlet“, der besagt, dass Leistung ein „Spiegel der Natur“ sein muss; In einem Interview zitierte der Dramatiker Dominique Morisseau Nina Simone, die sagte, dass es die Pflicht eines Künstlers sei, „seine Zeit zu reflektieren“. Die Natur, das stimmt; natürlich die Zeit – das Theater sollte diese Dinge widerspiegeln. Aber ein Theaterstück kann auch so positioniert werden, dass es uns die Person zeigt, die es geschrieben hat.
In „Sunset Baby“, jetzt im Off Broadway Pershing Square Signature Center, lädt uns Morisseau, bekannt für ihren Theaterzyklus „The Detroit Project“, ein, die letzten schwierigen Begegnungen zwischen einer Frau und ihrem aktivistischen Vater zu verfolgen. Als Nina (Moses Ingram) fünf Jahre alt war, kam ihr Vater, der Black-Power-Revolutionär Kenyatta (Russell Hornsby), ins Gefängnis, weil er versucht hatte, einen gepanzerten Lastwagen auszurauben – mit dem Ziel, „im Namen der Demokratie der Dritten Welt kapitalistische Dollars zu stehlen“. “ kichert – und seine einst abtrünnige Mutter geriet in Herzschmerz und schließlich in eine Sucht und einen vorzeitigen Tod. Jetzt ist Nina erwachsen und geht zusammen mit ihrem Freund Damon (J. Alphonse Nicholson) ihren eigenen gewalttätigen Weg. Zusammen verstehen sie sich als Bonnie und Clyde, bewaffnete Schläger, die Männer zu Drogengeschäften locken und sie ausrauben. Nina und Damon wollen keine radikale Befreiung; sie wollen zehntausend Dollar. Dieser Vorrat wird es ihnen endlich ermöglichen, aus dem Osten New Yorks nach Paris oder London oder an einen anderen schönen Ort zu fliehen, in den sich Nina über den Travel Channel verliebt hat.
Nina, benannt nach der belehrenden Seele des Stücks, Simone, verbringt viel Zeit damit, in den Spiegel zu schauen, sich für ihre Rolle in diesen Verbrechen zu kleiden, ihre leuchtend blauen, oberschenkelhohen Stiefel an- und auszuziehen und Make-up aufzutragen. bis zur Unkenntlichkeit. Ingram, die in der TV-Serie „Obi-Wan Kenobi“ ein Lichtschwert trug, wirkt hier unendlich müder: Ihre Schultern hängen herab; seine Augen, mit pfauengrün bemalten Augenlidern, oft fast geschlossen. Nina hat jedoch mehrere Schatzlager, von denen sie Damon nichts erzählt hat. Am wichtigsten ist ein Schatz an Briefen, die ihre Mutter hinterlassen hat und die sie geschrieben, aber nie an ihren Gefängnisliebhaber geschickt hat. Jetzt, da Kenyatta draußen ist, möchte er sie unbedingt haben. Zuerst fleht er seine Tochter an, und sie weist ihn mit einem Ausbruch gerechter Wut zurück. Doch als Damon erkennt, dass Kenyatta möglicherweise bereit ist, für die Briefe zu zahlen, setzt er Nina unter Druck, ihn wiederzusehen. Obwohl sie verbittert und verhärtet ist, beginnt der immer brennende Idealismus ihres Vaters zu schmelzen und sie zu verändern, auch wenn er selbst sich nie zu beugen scheint. Hornsby spielt Kenyatta als einen Mann, der immer aufmerksam ist, einen Soldaten, der die Fanfarenrufe hört.
In der Inszenierung von Regisseur Steve H. Broadnax III wirkt das heruntergekommene, spärlich möblierte Apartmentgebäude, in dem Nina lebt – das von Wilson Chin für maximale Trostlosigkeit entworfen wurde – nicht immer ganz real. In der Wohnung achten Broadnax und seine Schauspieler auf die kleinen Gesten, die die Welt erschaffen, wie zum Beispiel die Art und Weise, wie Damon bei seiner Ankunft seine Schuhe auszieht und in Flip-Flops schlüpft. Wir spüren die Welt nie ausAber keine Nachbarn, keine Freunde, nur die Wohnungsklingel, die einem anderen Mann signalisiert, dass Nina an die Tür kommen soll. Sie hört ständig die Musik von Nina Simone, und so durchdringt jede Szene ein Gefühl von Blues-gebrochener Träumerei, selbst wenn die Leute sich gegenseitig anschreien, sich gegenseitig bestehlen oder sich gegenseitig im Stich lassen. Kenyatta hat Videobotschaften für seine Ex-Tochter aufgenommen, die an die Rückwand der Bühne projiziert werden, und sein Gesicht, so groß wie eine Werbetafel, ragt über Ninas hässlichem Schlafzimmer auf, seine Augen so starr und riesig wie die eines Gottes. Das Bild ist wunderbar, auch wenn diese Passagen zu den am wenigsten souverän geschriebenen Texten Morisseaus gehören. „Das ist nicht meine Entschuldigung. Ich könnte nie. . . . Ich wüsste nicht, wo ich anfangen soll“, sagte Kenyatta mit tränenfeuchten Augen. „Das ist alles, was ich weiß, Nina. Sprechen. Schreiben. Ideen. Aktivismus. Gerechtigkeit. Meditation. Denken.“
„Sunset Baby“ wurde 2013 erstmals in New York vom LAByrinth Theatre produziert, nach einer Premiere 2012 in London. Obwohl es gut aufgenommen wurde, wurde es bald von der Detroit-Trilogie in den Schatten gestellt: „Paradise Blue“, das im Jahr 1949 spielt; das „Detroit 67“ der Motown-Ära; und die zeitgenössische „Skeleton Crew“, die Morisseau als begabten Inszenator von Intrigen über den anhaltenden Verrat der Vereinigten Staaten an schwarzen Arbeitern etablierte. Die Wiederaufnahme von „Sunset“ im Signature ist Teil einer mehrjährigen Residenz, die eine Wiederaufnahme von „Paradise Blue“ im Jahr 2018 und eine Uraufführung seines bisher besten Stücks „Confederates“ im Jahr 2022 umfasst, die zwischen begann zwei Epochen: moderne Wissenschaft und Guerilla-Aktion auf einer Plantage während des Bürgerkriegs. Als sozialbewusste Autorin scheint sich Morisseau zum Realismus hingezogen zu fühlen, aber ich finde sie am überzeugendsten, wenn sie ihre Geschichten zu Quasi-Fabeln verwischt, was sie in „Confederates“ getan hat und was sie hier in kurzen Einblicken und Blicken tut.
Die Versuche von „Sunset“, die Realität einzufangen, können scheitern, wenn sie nicht durch Fantasie vermittelt werden. Ingram hat einen wunderbaren, eisigen Blick aus tausend Metern Entfernung, aber Morisseau beschreibt seine Rolle als eine seltsame Mischung aus intelligenten Intellektuellen und unterprivilegierten Unschuldigen, die, wie Nina es ausdrückt, noch nie einen „verdammten Sonnenuntergang“ gesehen hat. (New York hat zweifellos seine Nachteile, aber hier geht die Sonne unter.) An anderer Stelle geht Morisseau jedoch vorsichtiger mit der Charakterisierung um. Die größte Leistung des Stücks ist Damon, dessen genaue Lektüre es ihm ermöglichte, seine Ausbeutung anderer in eine Art perversen politischen Radikalismus umzuwandeln. Nicholson, der eine atemberaubende Leistung abliefert, zeigt auf der Bühne eine großartige Leichtigkeit und ist in der Lage, Damon sowohl als unterstützenden Liebhaber als auch als flehenden Tyrannen zu spielen, manchmal gleichzeitig, seine Arme um Ninas Taille gelegt. Morisseau verbindet die Drohung oft mit einer Art Aufruf zur Liebe. „Sag mir, dass du mich brauchst, Baby“, fordert Damon. Nina wiederum wird ihren Vater mit vorgehaltener Waffe bitten, sein Bedauern auszudrücken.
Nichts davon spiegelt das Leben von Morisseau oder seinen Eltern wider. Aber es gibt immer noch eine persönliche Offenbarung in dem Stück. Die Dramatikerin veröffentlichte in der Lobby vor dem Theater ein Zitat, in dem sie darauf hinwies, wie ihr eigener politisch engagierter Vater sie inspirierte: „Ich habe meine Mutter mehrmals angerufen und gefragt: ‚Erklär mir das.‘ Ich versuche mich zu beruhigen; Ich weiß nicht, warum ich mich nicht beruhigen kann. War ich schon immer so unruhig? Sie erinnert mich daran, dass ich schon immer so war. Mein Vater war ein revolutionärer Mann. Und als Kenyatta Nina gegen Ende des Stücks ein Foto von ihr als Kind überreicht, handelt es sich tatsächlich um ein Foto von Morisseau, das ihr Vater aufgenommen hat, als sie noch klein war.
Morisseau, der Barde von Detroit, ist seit langem einer unserer moralisch motiviertesten und sozial aktivsten Schriftsteller. So bietet „Sunset Baby“ mit seinem Hauch von Fantasie und Reue einen aufschlussreichen Blick auf Morisseaus meisterhaften Status im amerikanischen Theater. Wer ist eigentlich geeignet, Ninas Kamerad zu sein? Damon scheint von progressiver Theorie durchdrungen zu sein und lässt beiläufig Begriffe aus Steven Spitzers „Toward a Marxist Theory of Deviance“ fallen, aber aus irgendeinem Grund gehört es zu seiner Praxis, Ninas Geld zu nehmen. Und Kenyatta, der sich so sehr für Taten und Selbstbeobachtung einsetzte, vergaß, den schweren Schaden zu bedenken, der seiner Tochter durch seine Abwesenheit zugefügt wurde. Morisseau spielt auf den Druck an, der von einer Generation auf die nächste ausgeübt wird, und wir beginnen, die Einsamkeit der Befreiung zu verstehen. Das ist natürlich notwendig, und Morisseau schätzt offensichtlich die unermesslichen Geschenke, die ihm sein Vater macht. Aber Nina hatte keine Kindheit – und vielleicht zeigt uns ihr Schöpfer, welch hohen emotionalen Preis es mit sich bringt, in der Revolution großgezogen zu werden. ♦