Après un certain temps d’absence, Shinichirō Watanabe revient à la science-fiction. Si chacun des projets originaux du réalisateur a fait appel à sa sensibilité artistique, Cowboy Bebop l’a solidifié en tant que visionnaire de science-fiction dont le style et les goûts éclectiques en matière de musique le distinguent. Près de 30 ans plus tard, Cowboy Bebop est toujours considérée comme l’une des séries animées les plus emblématiques et les plus influentes du 20e siècle. Mais le désir de Watanabe de grandir en essayant de nouvelles choses l’a éloigné du récit d’histoires sur des futurs lointains et l’a amené à se tourner vers des projets comme la série d’action historique. Samouraï Champloo et Enfants sur la pente.
C’est ce même sentiment qui l’a ramené à ses racines et qui l’a inspiré à rêver Lazare – une nouvelle série diffusée en première sur Adult Swim en 2025 qui recrute John Wick réalisateur Chad Stahelski pour ses séquences d’action.
Situé dans un futur où la majeure partie de la population mondiale a commencé à utiliser un nouveau médicament miracle appelé Hapna, Lazare raconte l’histoire de ce qui se passe lorsque l’analgésique se révèle être une toxine retardée dont la mort est garantie. La révélation déclenche une course pour retrouver le créateur de Hapna dans l’espoir d’arrêter son plan visant à punir l’humanité pour ses péchés autodestructeurs contre la planète. Mais la situation déclenche également une vague de panique et de confusion alors que les gens se prennent à l’idée d’être tués par la même chose qui semblait autrefois être la clé de leur salut.
Lorsque je me suis récemment assis avec Watanabe pour parler de Lazareil m’a dit que, aussi excité qu’il fût à l’idée de revenir à la science-fiction dure, il voulait que la série ressemble à une rumination accrue sur notre propre réalité actuelle. Lazarea-t-il expliqué, est une sorte de fantasme qui essaie de vous faire réfléchir à la façon dont le présent façonne l’avenir.
Cette interview a été éditée pour des raisons de longueur et de clarté.
Comment est né le concept de Lazare est-ce que tu es d’abord venu à toi ? Qu’avez-vous pensé lorsque cette histoire a commencé à prendre forme ?
L’image d’Axel, notre protagoniste principal, était en fait ce qui m’est venu en premier, et j’ai eu une impression de son physique – de la façon dont je voulais qu’il se déplace à travers le monde. Je savais aussi que je voulais faire une histoire sur l’humanité face à la fin du monde. Dans le tout premier épisode, notre personnage Dough livre un monologue accompagné d’un montage d’images, et une grande partie de ce qu’il dit est en fait très proche de ce que j’ai imaginé, comment notre monde pourrait s’effondrer.
Quels aspects de notre société actuelle vouliez-vous explorer ou dévoiler à travers cette vision spécifique du futur que vous avez créée pour la série ?
Lorsque les gens pensent à la fin du monde dans la fiction, la cause en est généralement une sorte de guerre ou peut-être une invasion extraterrestre. Mais avec cette histoire, l’effondrement de tout commence avec la création de ce nouvel analgésique, Hapna. La crise générale des opioïdes dans le monde réel a été l’une de mes plus grandes inspirations pour cette série, mais aussi le fait que de nombreux musiciens que j’aime écouter sont finalement morts d’overdoses de drogue.
Autrefois, on entendait parler de musiciens faisant une overdose de drogues illégales, mais au fil des années, on a vu de plus en plus de cas comme Prince, par exemple, qui finit par mourir alors qu’il prenait des analgésiques prescrits. La mort de Prince me choque encore. J’aime aussi la culture hip-hop et le rap, et malheureusement, on voit de plus en plus ce genre d’overdose chez les jeunes artistes.
Qu’est-ce qui vous a donné envie de revenir à la science-fiction après avoir été si longtemps éloigné du genre ?
Après Cowboy Bebopje voulais essayer quelque chose de différent en termes de genre, et c’est ainsi que j’ai fini par créer Enfants sur la pente et Carole et mardi. Quand j’ai fini par travailler sur Blade Runner Blackout 2022c’était tellement bon de revenir à la science-fiction, mais comme ce n’était qu’un court instant, j’avais toujours l’impression que je devais trouver une opportunité d’étirer ces muscles créatifs spécifiques.
Je ne voulais pas simplement répéter ou ressasser ce que j’avais fait avec Cowboy Bebopcependant, et c’est en partie pourquoi j’ai initialement contacté Chad Stahelski, qui a travaillé sur le John Wick films. Je pensais qu’il était capable de vraiment mettre à jour les séquences d’action d’une nouvelle manière, et je voulais apporter ce genre d’énergie à mon prochain projet.
Parlez-moi de collaborer avec Chad.
Lorsque j’ai mentionné le nom de Chad pour la première fois, beaucoup de gens étaient sceptiques quant à notre capacité à trouver le temps de collaborer, en raison de son emploi du temps occupé et du nombre de personnes souhaitant travailler avec lui. Mais j’ai ressenti une très forte affinité avec l’approche de Chad en matière de construction de scènes d’action, et j’ai donc quand même tendu la main. Il s’est avéré qu’il avait vu et qu’il était un grand fan de Cowboy Bebop et Samouraï Champlooet il a immédiatement dit oui pour venir Lazare.
L’équipe de Chad faisait sa propre interprétation de la chorégraphie des scènes de combat et nous envoyait des vidéos, puis nous étudiions ces images pour trouver différents éléments de l’action que nous souhaitions intégrer dans Lazare. De toute évidence, l’action réelle et l’animation sont des médiums différents, donc notre processus impliquait beaucoup de déterminer quels aspects de la séquence semblaient être des éléments que nous pouvions rehausser et styliser.
Comment s’est déroulé ce processus ?
Différents épisodes ont différentes manières d’incorporer la chorégraphie de Chad. Pour la première, nous n’en étions encore qu’aux débuts et nous n’avons pas pu bénéficier autant de l’apport de Chad. Et pour les épisodes deux et trois, nous avons créé de très courtes séquences d’action spécifiquement pour incorporer les éléments que nous avons vus dans les vidéos de l’équipe de Chad. Mais pour le quatrième épisode, nous avons opté pour un décor beaucoup plus gros car à ce moment-là, nous avions vraiment trouvé notre rythme.
Pour certains épisodes, nous leur donnions des informations sur le type de scène que nous souhaitions, et ils se contentaient de réfléchir. Mais dans de nombreux cas, avant de recevoir des instructions détaillées de notre part, l’équipe de Chad proposait ses idées, et nous en avons également utilisé un bon nombre. Il s’agissait d’une discussion constante entre nos équipes, et cette communication ouverte était essentielle pour trouver le bon ton pour Lazare‘ action. Par exemple, le John Wick Les scènes de combat des films impliquent beaucoup de tirs à la tête, mais c’était un peu trop pour nous car Axel n’est pas vraiment un tueur comme John Wick lui-même.
Vous avez mentionné plus tôt qu’Axel était le premier élément de cette histoire qui vous est apparu. Comment l’avez-vous imaginé ?
Je ne veux pas que vous vous mépreniez en disant cela, mais Axel s’est quelque peu inspiré de Tom Cruise. Axel se nourrit du danger et parfois, on dirait qu’il en est presque accro. Lazare comporte beaucoup de parkour parce que nous voulions que l’action construite autour d’Axel donne toujours l’impression qu’un faux mouvement pouvait le faire tomber. Il risque sa vie, mais ce danger est une chose dont il prend plaisir – cela lui donne le sentiment d’être vivant.
Vous avez toujours été connu pour peupler vos mondes de personnes très diverses, mais il existe un multiculturalisme prononcé à Babylonia City. [one of the show’s important locations] cela semble vraiment distinct dans le paysage anime plus large. Quelle était votre idée en construisant une histoire autour d’un groupe de personnages aussi culturellement diversifiés ?
Chaque fois que je pense aux environnements spécifiques dans lesquels mes personnages vont exister, le plus important est que l’espace semble réel et ressemble à un endroit où les gens peuvent réellement se déplacer de manière réaliste. Ce que j’ai toujours ressenti en regardant d’autres représentations de science-fiction du futur, c’est que souvent, elles n’ont pas le sentiment d’être véritablement vécues, et c’est ce que je veux éviter. Donc, pour Babylonia City, je pensais qu’un grand paysage urbain animé se prêterait aux expressions de la personnalité des personnages.
J’essaie toujours d’incorporer des éléments multiculturels dans mes histoires, je pense, parce qu’ils constituaient une partie très importante de Coureur de lamequi m’a vraiment marqué après l’avoir vu pour la première fois quand j’étais jeune. Coureur de lameLe multiculturalisme de , le mélange culturel, faisait partie de la façon dont le film illustrait comment la société avait changé à l’avenir. Je m’attendais à moitié à ce que l’avenir ressemble davantage à cela, ce qui est drôle à dire aujourd’hui car le film original se déroule en 2019.
Les gens pourront entendre Lazare‘ bande originale pour eux-mêmes, mais à quoi ressemblait la série dans votre esprit lorsque vous réfléchissiez aux palettes musicales que vous vouliez construire pour elle ?
Avec Cowboy Bebopnous avons utilisé une musique jazz un peu plus ancienne pour créer un contraste avec l’aspect futuriste de l’histoire. Mais pour Lazareje voulais trouver un type de son différent et présenter davantage la musique relativement récente que j’écoutais.
Y a-t-il une ou plusieurs chansons spécifiques qui ont vraiment cristallisé le spectacle pour vous ?
Cela n’a pas encore été rendu public, mais la séquence du générique de fin présente la chanson « Lazarus » des Boo Radleys, qui a vraiment été une énorme inspiration pour cette série dans son ensemble. Je suis très intéressé de savoir ce qu’ils pensent de la série.
Vous avez parlé de votre processus de collaboration sur les visuels, mais qu’en est-il pour la musique ?
Il y a eu également beaucoup d’échanges dans ce processus. Généralement pour l’animation, vous essayez de créer et de préparer tous les signaux musicaux pendant que la production est en cours. Nous avons eu beaucoup de discussions avec nos collaborateurs musicaux à propos du spectacle et du type de sentiment spécifique que nous voulions évoquer d’une scène à l’autre, et le défi de ce processus est toujours que les visuels pour lesquels nous créons de la musique ne sont tout simplement pas réels. ce n’est pas entièrement fini. Ils sont à mi-chemin, mais le musicien doit imaginer quelque chose de plus complet pour composer. Mais alors, quand les visuels sont Une fois terminé, il peut y avoir des demandes de reprises ou de petits ajustements qui rendent le morceau musical plus cohérent.
L’attention s’est accrue sur les conditions de travail qui rendent de plus en plus difficile pour les illustrateurs et les animateurs de s’épanouir et de cultiver des carrières durables. Que pensez-vous de l’état actuel de l’industrie ?
En un mot, le problème est qu’il y a trop de spectacles et qu’il n’y a pas assez d’animateurs expérimentés pour tout le monde. Même pour Lazarenous n’avons pas pu recruter tous les animateurs expérimentés dont nous avions besoin au niveau national, nous avons donc dû en faire venir un certain nombre de l’étranger. Avec le premier épisode, on retrouve de nombreux animateurs non japonais, notamment pour les scènes d’action.
Dans l’ensemble, selon vous, qu’est-ce qui doit vraiment changer pour que les animateurs puissent vivre ce genre d’expérience ?
Pour qu’un animateur développe réellement ses compétences, je pense qu’il doit travailler sur un projet et pouvoir se concentrer uniquement sur celui-ci. Mais le plus souvent, en raison du grand nombre de spectacles et de films, de nombreux animateurs doivent passer d’un projet à l’autre et se démener pour terminer leur travail, et ce n’est pas un environnement propice à une véritable croissance artistique.
Pour en revenir à ce premier épisode, les scènes d’action de la première moitié ont été dessinées par un seul animateur, et un autre animateur s’est occupé de toute l’action de la seconde moitié. Ils avaient chacun 50 plans à travailler. C’est, pour moi, le moyen idéal : permettre à quelqu’un qui est déjà bon en animation d’action de pouvoir se concentrer sur une partie importante des scènes. C’est comme ça qu’on grandit. Mais très souvent, dans d’autres projets d’animation, vous voyez des animateurs expérimentés limités à travailler sur peut-être deux ou trois plans maximum, et le produit final n’est tout simplement pas aussi bon.