Sean Bakers Film Anora gewann die Palme d’Or bei den diesjährigen Filmfestspielen von Cannes – die neueste der gefeierten Geschichten des Regisseurs über Sexarbeiterinnen, darunter: Mandarine, Das Florida-ProjektUnd Rote Rakete. Aber Anora könnte sein bisher einladendstes und zugänglichstes Werk sein.
Anora – oder Ani, wie sie es bevorzugt – ist eine Tänzerin in einem Männerclub, die einen Ausweg aus der Sexarbeit findet, nachdem sie den Sohn eines reichen russischen Oligarchen namens Vanya kennengelernt hat. Ani (Mikey Madison) und Vanya (Mark Eidelstein) rennen weg, und plötzlich hat sich ein Leben, das einst darin bestand, betrunkene Kunden zu befriedigen, in ein Leben voller Luxus verwandelt: eine Villa zum Leben, Geld zum Ausgeben und Diamanten zum Tragen. Doch die Exzesse sind flüchtig, als Ani erkennt, dass Vanya nicht ganz offen ist.
Anschließend habe ich mit Sean gesprochen Anorabeim New York Film Festival, um darüber zu diskutieren, wie er seine Geschichten findet, die Macht der Frauen in seiner Filmografie und wie man einem Mid-Budget-Film das Gefühl gibt, ein Big-Budget-Film zu sein.
Das folgende Gespräch wurde aus Gründen der Länge und Klarheit bearbeitet:
Wann wussten Sie es? Anora War das der nächste Film, den Sie machen wollten?
Es gab diesen Aha-Moment, in dem wir die Haupthandlung verstanden haben. Mein Team arbeitete mit einem Berater zusammen, der mehr mit der russisch-amerikanischen Gemeinschaft als mit der Sexarbeitsgemeinschaft zu tun hatte. Wir untersuchten die Idee dieser jungen Frau, der etwas zugestoßen war, etwas, bei dem sie von der russischen Mafia als Sicherheit gehalten wurde, weil ihr toter Ehemann Geld schuldete. Nach etwa 24 Stunden wurde ihr klar, dass ihr Mann nicht der Mann war, den sie zu heiraten glaubte, weil er ihr nicht zu Hilfe gekommen war. Plötzlich begann sie sich in einer Art Stockholm-Syndrom den Männern, ihren Entführern, zuzuwenden.
Diese Idee hat mich fasziniert, aber ich wollte keinen Mafiafilm erzählen. Ich wollte keinen Gangsterfilm machen, also versuchte ich herauszufinden: Was könnte sie in diese Situation bringen? Ich war mit dieser Beraterin auf Zoom, als ich sagte: „Was wäre, wenn sie den Sohn eines russischen Oligarchen heiraten würde?“ Und sie brach in Gelächter aus, als ich das sagte, und dann wusste ich, dass ich etwas getroffen hatte. Da sagten wir: „Wir haben es geschafft.“ Das ist es. Jetzt lasst uns einfach dieses Ding schreiben.
Viele der Geschichten, die Sie erzählt haben, haben ihre Wurzeln in der weiblichen Macht. Was ist Ihnen in diesen Geschichten wichtig?
Meine Filme sind oft nur Reaktionen auf das, was ich in Kino und Fernsehen zu wenig sehe oder wovon ich gerne mehr sehen möchte. Ich bin nicht der Erste, der eine empathische Herangehensweise an Sexarbeit hat – schon gar nicht der Erste –, aber ich sehe nicht viele davon und es kommt auch selten vor. Wenn ich Sexarbeiterinnen sehe, handelt es sich oft um Nebenfiguren oder Karikaturen, und das wird mir immer bewusster. Mit jedem Film wurde es eine bewusste Entscheidung meinerseits, mehr noch, eine universelle Geschichte mit einer vollständig ausgearbeiteten dreidimensionalen Figur zu erzählen, die eine Sexarbeiterin ist, um einfach … ich würde nicht sagen, zu normalisieren. , aber das ist es, denke ich. Meine subversive Taktik hier besteht darin, die Öffentlichkeit dazu zu bringen, anders über Sexarbeit zu denken, denjenigen zu helfen, die sie mit diesem stigmatisierten Blick betrachten, und diese zu beseitigen.
Anora Für mich fühlt sich das sowohl wie ein Film mit großem Budget an als auch wie ein „Fick dich, schau mich an“-Film. Wie haben Sie das geschafft?
Ich hatte ein etwas größeres Budget als DER Florida-Projekt. Wenn man diese Filme macht, muss man all dieses Geld auf die Leinwand bringen, um mit allem konkurrieren zu können, was die Studios oder sogar die Mini-Studios machen. Man muss einen 6-Millionen-Dollar-Film wie einen 50-Millionen-Dollar-Film aussehen lassen, den Hollywood produzieren würde. Also bringen wir das alles auf die Leinwand und drehen immer vor Ort, und wir haben mehrere Drehorte. Ich denke, das ist der große Unterschied. Ich glaube, in vielen Independentfilmen denkt man: „Oh, du machst einen Film mit einem bestimmten Budget?“ Machen Sie ihnen zwei Köpfe, stellen Sie sie in eine Wohnung und sie werden die Wohnung nie verlassen. Sie wissen, was ich meine? Und deshalb kämpfe ich dagegen.
Ich habe auch Ensemblebesetzungen. Das ist mir sehr wichtig, vor allem kreativ, weil ich es liebe, zu sehen, wie ein Ensemble auf sehr chaotische und widersprüchliche Weise zusammenkommt und all diese unterschiedlichen Persönlichkeiten spielen, aber auch, weil es auch den Wert der Produktion erhöht. . Eine große Besetzung sieht größer aus.
Der Film beginnt in einem Club namens Quarterly in Manhattan. Was hat Sie an diesem Ort gereizt?
Ich wollte diese neue Welle von Herrenclubs erkunden, die im Grunde genommen Lapdance-Clubs sind, weil sie so einzigartig sind. Das ist etwas Neues, das ich in Film und Fernsehen noch nicht gesehen habe. Diese andere Art von Herrenclub bringt ein hohes Maß an Intimität mit sich. Es erinnert mich auch an etwas, das mich schon immer fasziniert hat. Während des Ersten Weltkriegs gab es einen sogenannten „Dime a Dance“, bei dem Soldaten während ihres Urlaubs eine Stadt betraten und eine junge Frau dafür bezahlten, dass sie für einen Penny mit ihnen tanzte.
Es ist die 2020er-Jahre-Version von „Dime a Dance“, und ich finde es faszinierend, wie viel Psychologie darin steckt. Es ist völlig anders, als nur auf einer Stange auf der Bühne zu tanzen. Ich meine, die Interaktion, die Transaktion, die stattfindet, ist so interessant. Diese jungen Tänzer gehen entweder auf einen Kunden zu oder werden von einem Kunden angesprochen. In Sekundenschnelle müssen sie diesen Mann lesen und versuchen zu verstehen: „Okay. Wie kann ich meine Leistung so anpassen, dass diese Person Geld für mich ausgibt und sie vielleicht in ein Privathaus mitnimmt? [place]„Es ist eine echte Hektik, aber es beinhaltet Psychologie. Es erfordert, dass der Tänzer genau im Einklang mit dem ist, was diese Person erlebt oder denkt.“
Reden wir über das Ende. Können Sie uns sagen, wie wichtig es Ihnen ist, die Landung auf Film festzuhalten?
Nun, für mich stehen Enden an erster Stelle. Das ist das Wichtigste. Das ist es, was Sie dem Publikum hinterlassen. Darüber werden sie ein paar Minuten später sprechen, wenn sie das Theater verlassen, und ich muss immer das Ende finden, bevor ich überhaupt ein Wort zu Papier bringe. Ich habe den Anfang, die Mitte und das Ende, und ich verstehe vor allem dieses Ende. In diesem Fall war es sehr stressig, weil ich viel verlangt habe.